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For those
who have studied instrumentation, orchestration or composition at some point of
their musical career, the name Vincent D’Indy is all but unfamiliar. In 1912,
he published a very comprehensive treatise on music theory named Cours de Composition Musicale, which
instructs potential musicians, arrangers and composers on topics like music
history, basics, harmony and orchestration among others. Nonetheless, for the
average concert-goer worldwide, D’Indy is a trademark name which remains
obscure and mysterious; in spite of being one of the most recognized and
controversial French composers of his time. Probably it was the controversy and
the contradictions around his figure that eventually shadowed over his musical
talent; probably it was his academicism in later life that cast over him a
reputation of inflexibility and out-of-datedness to his music.
Born in
1851 to a staunch militarist, monarchist and Catholic Family of Ardèche, in
southeastern France, Vincent D’Indy received marginal music education since
early age. In 1870, moved more by personal convictions than anything else, he assisted as soldier to the National Guard during the Franco-Prussian war (1870-1871), more
exactly at the siege of Paris. After the war ended with the cession of
Alsace-Lorraine to the newly created German Empire, D’Indy sought to pursue a
true musical career, nonetheless his father compelled him to enroll as a law
student at distinguished La Sorbonne. Fortunately for him, he was inherited in
1872 by his late and beloved grandmother with a rather huge inheritance, and he
was able to pursue his musical studies at Paris’ Conservatoire under the
tutelage of Belgian Cesar Franck. It was through his teacher that D’Indy was
introduced to the Wagnerian school of music, to which he was, ironically and
contradictorily, much attired. Possibly a little bit too much, since he became
also a fervent admirer and supporter of Wagner’s anti-Semitic thought (During
the celebrated Dreyfus affair, a political anti-Semitic movement in France, he
sided on the anti-Dreyfusard league). Yet musically speaking, adhering to
Wagnerism supposed also taking his own distance to French academicism, which as
stated some posts before, was focused on balance and proportion rather than in
expansiveness and grandeur. In 1894, some years after Franck passed away;
D’Indy and some of his fellow classmates broke with the Conservatoire and
founded the Schola Cantorum, an institution that followed Franck’s musical
principles as well as the study of religious music, such as plainchant. Later,
he was also to return to the Conservatoire since he considered teaching his
life mission rather than a lifestyle, reason that might explain his later
staunch adherence to harmony, counterpoint and common practice elements rather
than experimentation or “open” forms that became popular during or after the
1910’s. It is interesting to notice then that many of his students were Erik
Satie, Darius Milhaud (who was of Jewish descent), Arthur Honegger or Edgar
Varèse, names which are more related with modernism and avant-garde, but also
Neoclassicism (except for the great Varèse of course, whose compositions were
ahead of his time). He also taught the school of Spanish composers that came
after De Falla: Joaquín Turina and Jesús Guridi being some of the most
important.
The Great
War was probably one of the reasons that reaffirmed D’Indy’s musical and
personal convictions. France, as it has been said on Tournemire’s post, was
tremendously affected by the conflict. And while D’Indy was a fervent Catholic
as his student, he was also a militarist and a patriot who would have served in
action if he would have been younger: He was 63 when the terrible conflict
started. Thus, the only way he could contribute to the war effort was writing a
musical work as a monument to French patriotism and heroism during the war,
much like Elgar did. His Symphonie No. 3
en ré majeur Op. 70 “Sinfonia Brevis de Bello Gallico”, or “short symphony
to French war” was written between 1916 and 1918, during WWI climax. While the
symphony is a monument to French musical values and harmony, it also contains
some polytonal innovations from Stravinsky as well as progressive tonality
coming from Mahler. It is scored for a rather large orchestra including triple
woodwind, quadruple brass (no tuba), timpani, military percussion, celesta,
xylophone, 2 harps and strings. The symphony starts calmly in D major (Lent et calme) with the predominance of
woodwind over strings. While the temper is calm, some chromatic chords are
present as well as some distant trumpets, symbolizing the latent threat of war.
Suddenly tension builds and a call to action by a marching melody is heard,
which sounds very patriotic. A second, more playful section in B-flat, is heard
on woodwind and military drums, followed by a theme in F major on horns which
is followed by a heroic, martial development through the orchestra. This is ensued
by a more tonally ambiguous section, marked by down glissandi on strings and
upper woodwind. Suddenly a very patriotic march sounds in F sharp major which
suddenly stops to a more tender, quiet section of equally ambiguous character.
Suddenly, the first theme is stated in D minor, as fanfare figures are heard
urgently on trumpets, which evolve to a processional, and later become into a
march back in D major. Musical tension returns with chromatic chords,
understated by percussion and xylophone, just to be beaten by the heroic, yet
agile, French marching motive in D major, yet this time, mixed with chromatic
dissonance. The second
movement (Assez vite-un peu moins vite)
begins on strings in G minor. This scherzo is a rustic, yet urgent country dance. Chromatic dissonance
and contrapuntal motives in this part are characteristically French. The trio,
in E flat major, is a faster, yet happier dance, toned up by percussion and
brass, which is ended a very Mahlerian cornet motive, colored by a polytonal
response half a step up. The G minor dance returns, yet this time more heavily
dressed. In the end of the movement, optimism is somewhat up as it comes in G
major-Lydian. The third movement (Lent)
opens with dissonant 7th chords that settle up into a B major
tonality in strings and then into the dominant in woodwind. The musical theme
is full of passion, almost sensuality. The central section comes (Plus animé) in a glittering tonality of
G major/minor, which goes again into E flat, as if it was some kind of
reminiscence of the earlier movement, since its nature is dance like. Once
more, the movement’s main theme in B major enters in forte, just to give away
once more into a tenuous, sensuous atmosphere on woodwind and then in strings,
which as a matter of fact, reminds me of Respighi’s Drammatica slow movement,
before fading away in distance. The Finale (Très
animé) enters with a wild, rhythmic and dissonant horn call, which is
responded by trumpets and accentuated by percussion. This becomes a very
self-confident march in D minor, in all the instruments of the orchestra,
followed by a dramatic development which ends in a horn solo in B flat. Here,
D’Indy quotes the Hymn to St. Michael from plainchant, doubled in octaves by
flute. The marching motive returns, much in the guise of Elgar, but dressed in
a completely French tenure, possibly symbolizing the cooperation between the
British Empire and France during the conflict. A softer section, still played
fast, follows, while the heroic theme is reprised in B major, the tonality of
the slow movement. This is followed by a dramatic development which suddenly
stops to give away into a somber intonation of the St. Michaels hymn, followed
by a more heroic one in D major on the cornet solo, and developed over a
rhythmic tutti in the background, which ends the symphony on a heroic fanfare
redolent of the first movement and a fortissimo on the trumpets.
When the
war ended, France along with its British, American and Italian allies, were to
become the victors. France recovered Alsace-Lorraine, the German Empire was
broken and a plethora of new states were born. Nonetheless, France ended up
pretty demoralized, as all of the major powers were. Unlike the examples given
by Respighi or Elgar, D’Indy’s music represents a more combative style, rather
escapist and denialist from the actual horrors of the battlefield. What else
could we expect from a 65 year old man, who was practically married since
childhood to nationhood and patriotism? Nonetheless, the modern elements in
piece and the progressive tonality, give us the sense of fracture, of loss, of
things that could not be exactly the same as they were, for more optimistic the
outcome should be. There lies, in my point of view, the greatness and the sense
of reality of this symphony.
Sebastian Rodriguez Mayen
Sebastian Rodriguez Mayen
Desafíos ¿Políticos? II: El Patriotismo francés en la
última sinfonía de Vincent D’Indy.
Para aquellos que han estudiado instrumentación,
orquestación o composición en algún punto de su carrera musical no es ajeno
haber escuchado el nombre Vincent D’Indy. En 1912, él publicó un vasto tratado
de teoría musical llamado Cours de Composition Musicale, que instruye a futuros
profesionales de la música en temas de
historia, rudimentos, harmonía y orquestación entre otros. Sin embargo, para
ávidos diletantes y públicos de conciertos sinfónicos, el nombre D’Indy es
misterioso y desocnocido, muy a pesar de que en su época, D’Indy fue uno de los
compositores más reconocidos y controvertidos de Francia. Probablemente tanto
la controversia como las contradicciones propias del hombre sobrepasaron sus
talentos musicales, igualmente también su academicismo en la vida adulta quizás
le valió una reputación de inflexibilidad. Sin embargo, veamos su caso más de cerca.
Vincent D’Indy nació en una familia extremadamente
tradicionalista de Ardecha en el sureste de Francia, y los valores altamente
militaristas de ella solamente le permitieron recibir un mínimo de educación
musical desde que era pequeño. En 1870, siguiendo sus convicciones personales
más que otra cosa, se unió a la Guardia Nacional durante el asedio de
París en la Guerra Franco Prusiana
(1870-1871). Cuando terminó la guerra con la cesión de Alsacia-Lorena al recién
creado Imperio Alemán, D’Indy intentó llevar una carrera musical, sin embargo
su padre lo obligó a estudiar leyes en la prestigiosa Sorbona. Afortunadamente
para él, su querida abuela al morir le heredó una enorme suma de dinero con lo
cual pudo finalmente independizarse y estudiar en el Conservatorio de París
bajo la tutela del belga César Franck. Fue a través de su maestro que el joven
D’Indy conoció el germanismo de Wagner el cual, irónicamente siendo tan
nacionalista, se sintió atraído. Quizás demasiado, ya que además se volvió
admirador del antisemitismo vehiculado
por la filosofía wagneriana (Tanto así que durante el célebre caso Dreyfus, un
movimiento político antisemita en Francia, se alió con la liga
anti-dreyfusarda). Regresando al tema musical, adherirse al Wagnerismo suponía
alejarse en cierta forma del pensamiento musical francés, que como vimos antes,
se centra en el equilibrio y la dimensión proporcionada más que en la
expansividad y la grandeza. En 1894, algunos años después de la muerte de
Franck, D’Indy junto con otros colegas se separaron del Conservatorio y
fundaron la Schola Cantorum, una institución que seguía los principios
musicales y filosóficos de César Franck al igual que el estudio de la música
sacra, como el canto Gregoriano. Más tarde, D’Indy regresaría al conservatorio,
no porque le faltaran ingresos, sino porque consideraba la enseñanza como
misión de vida más que un estilo de vida. Quizás esto explique su férrea adherencia, durante
esta etapa de su vida, a la armonía y el contrapunto tradicionales en lugar de
la experimentación y las formas “abiertas” que se pusieron en boga a partir de
la década de 1910. Es interesante notar entonces, que entre sus alumnos, se
encontraran Erik Satie, Darius Milhaud (quien era de ascendencia judía), Arthur
Honegger o Edgar Varèse, nombres asociados al modernismo o a las vanguardias,
aunque también al neoclasicismo (excepto por el gran Varèse, cuyas
composiciones se adelantaron mucho a su tiempo). También dio enseñanza a la escuela de
compositores españoles que vino después de De Falla: Joaquín Turina y Jesús
Guridi fueron algunos de sus mejores estudiantes.
La Primera Guerra Mundial supuso una excelente oportunidad
para que D’Indy reafirmara sus convicciones musicales y personales. Francia fue
un país terriblemente afectado por la guerra, como lo expuse previamente con
Tournemire. Y aunque D’Indy fuera tan católico como su excepcional alumno,
también era militarista y un patriota que habría ido al combate si no fuera por
su avanzada edad (Tenía 63 años al comenzar el conflicto). Entonces, la única manera en que él podía
contribuir a la causa, era creando un monumento dedicado al patriotismo y al
heroísmo francés durante la guerra, tal y como lo había hecho Elgar. Su Symphonie No. 3 en ré majeur Op. 70
“Sinfonia Brevis de Bello Gallico” o “Sinfonía breve de la guerra gala” fue
compuesta durante 1916 y 1918, durante el clímax bélico del conflicto. Si bien
la sinfonía es en efecto un monumento a los principios musicales franceses y a
la armonía, no es ajena a las innovaciones politonales de Stravinsky o a la
tonalidad progresiva de Mahler. Es una sinfonía para una gran orquesta
compuesta de alientos triples, metales cuádruples (sin tuba), timbales,
percusiones militares, celesta, xilófono, dos arpas y cuerdas. La sinfonía
comienza tranquilamente en re mayor (Lent
et calme) con los alientos predominando sobre las cuerdas. Aunque el
temperamento sea calmo, algunos acordes cromáticos y trompetas distantes hacen
acto de presencia, anunciando la amenaza latente del conflicto. De repente la tensión aumenta y una marcha
llama a la acción, la cual suena muy patriótica. Una sección más lúdica en si
bemol se oye en los alientos y los tambores militares, seguida por un tema en fa
en los cornos que a su vez, es seguido por un desarrollo marcial a través de la
orquesta. Una sección tonalmente ambigua prosigue, marcada por glissandos en
las cuerdas y los alientos agudos, la cual es irrumpida por una marcha
patriótica en fa sostenido que se detiene ante una sección más calmada, pero de
nuevo, muy ambigua. El tema principal regresa sin embargo, esta vez en re
menor, mientras que las trompetas cantan urgentemente fanfarrias, sección que
evoluciona en una procesión y finalmente en una marcha de nuevo en re mayor. La
tensión vuelve a dispararse con la aparición de acordes cromáticos, subrayados
por las percusiones y el xilófono, la cual es liberada por la heroica y ágil
marcha francesa en re, la cual sin embargo, esta armonizada con disonancias cromáticas.
El segundo movimiento (Assez vite-un peu
moins vite) comienza en las cuerdas en la tonalidad de sol menor. Este
scherzo es una danza rustica, pero a la vez una danza urgente. La disonancia
cromática al igual que el contrapunto son ambos muy franceses. El trío, en mi bemol mayor, es una danza más
ágil y más alegre, apoyada por los metales y la percusión, concluyendo con un
motivo mahleriano en las cornetas, el cual es coloreado por una respuesta
politonal un semitono arriba. La danza en sol menor regresa, aunque más
densamente instrumentada. Al final del movimiento, el optimismo hace acto de
presencia cuando la danza modula a sol mayor-Lidio. El tercer movimiento (Lent) abre con acordes de séptima muy
disonantes que acaban por establecer la tonalidad de si mayor en las cuerdas y
su dominante fa sostenido en los alientos. Este tema musical está lleno de
pasión e incluso, sensualidad. La sección central del movimiento (Plus animé)
está escrita en la brillante tonalidad de sol, que de nuevo progresa a Mi
bemol, como si se tratase de una reminiscencia del movimiento anterior, ya que
incluso pueden sentirse ritmos de danza en su desarrollo. Una vez más, el tema
principal entra en acción, esta vez en forte, solo para disiparse en una
atmósfera tenue y sensual en los alientos y posteriormente en las cuerdas, la
cual de hecho, me recuerda el final del movimiento central de la Sinfonía Dramática de Respighi. El final
(Très animé) comienza con una apelación en los cornos muy alocada y rítmica, la
cual es correspondida por las trompetas y acentuada por las percusiones. Esto
se convierte en una marcha muy confiada en re mayor, la cual es tocada por toda
la orquesta, seguida de un desarrollo dramática que se detiene en un solo para
corno en si bemol. Aquí, D’Indy utiliza el Himno Gregoriano a San Miguel, el
cual es tocado a la octava en las flautas. El motivo marcial regresa, muy
parecido a una marcha de Elgar, pero con matices instrumentales y rítmicos muy
franceses, posiblemente simbolizando el esfuerzo conjunto de Francia e
Inglaterra durante el conflicto. Una sección más suave, pero igualmente veloz,
introduce de nuevo el tema principal, pero en si mayor, la tonalidad del
movimiento lento. Después, un desarrollo dramático de la melodía culmina en una
entonación profunda y sombría del Himno de San Miguel, seguida por una exposición
más heroica en re mayor llevada a cabo por un solo de corneta, la que es
desarrollada sobre un tutti muy
rítmico, sección que concluye la sinfonía en una fanfarria heroica y un
fortissimo en las trompetas similar al del primer movimiento.
Cuando la Guerra terminó, Francia, junto con sus aliados
británicos, estadounidenses e italianos, resultó vencedora. Francia recuperó
Alsacia-Lorena, el Imperio Alemán se desmoronó y varios estados fueron creados.
Sin embargo, Francia acabó muy desmoralizada, al igual que las otras potencias
europeas. A diferencia de los ejemplos de Respighi o Elgar, la música de D’Indy
tiene un estilo más combativo, mucho más escapista y negacionista de los
horrores y atrocidades del campo de batalla. Pero a final de cuentas, ¿Qué más
se podía esperar de un hombre de 65 que estuvo prácticamente casado desde la
niñez con los ideales de patria y nacionalismo? No obstante, las
características modernistas de la obra y la tonalidad progresiva, nos dan una
idea de ruptura, de pérdida, de que las cosas no podrían volver a ser las
mismas por más positivo que fuera el resultado. Ahí yace, en mi humilde
opinión, la grandeza y el realismo de esta sinfonía.
Sebastian Rodriguez Mayen
Sebastian Rodriguez Mayen
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