Believing in the time of the heathen I (WWI Special): Tournemire’s Resurrection

 (Spanish version follows)

“One day, justice will be brought to Tournemire”, said once world famous French composer Oliver Messiaen about fellow composer and countryman Charles Tournemire; who is of lesser fame than him. Historical and contextual circumstances are always of great importance in the knowledge of his oblivion. Charles Tournemire was born in Bordeaux in 1870 and started learning music in his hometown as an organist. Hs first teacher was Cesar Franck, who was of Belgian origin, and who was in opposition to the French mainstream composers of the day like Camille Saint-Saëns or Gabriel Faure, also leading voices in the Paris Conservatoire, and their followers. Franck and his follower students sought to Germanize French music by hallowing Lisztian and Wagnerian models in opposition to mainstream French musical currents; who sought elegance and refinement both in form and means. As a result, Franck’s pupils had to create a rivalling institution to withstand against the powerful Paris Conservatoire so in 1894, the Schola Cantorum was born. Since Tournemire was a former student of Franck, continuing his studies in such institution seemed quite an option. There he was instructed by Vincent D’Indy, Franck’s most distinguished student. Though he became a composer, he remained a successful organist through the rest of his life, going on tours all over Europe.

From his early upbringings, Tournemire was raised in a devoted Catholic family and he remained a powerful believer during all of his life; even after his wife’s death in 1919, his belief did not disappear. His faith in God is present all over his works, more particularly in L’Orgue Mystique, a series of more than 250 works for organ which last about 12 to 15 hours altogether. Nevertheless, their intention is more mystic and God-evoking than overtly virtuosic and it has experienced significant attire for organists since it was created. But L’Orgue Mystique is not the only oeuvre of Tournemire where his religious convictions are present: no less than four of his symphonies contain religious and mystic elements as source of inspiration, as well as his sacred oratorios The Revelations according to Saint John and The Passion of Christ. He composed in total eight symphonies, which should be considered completely sui generis all over French repertoire: they were influenced by Mahler. Gustav Mahler’s music didn’t enjoy a lot of popularity in France until late 20^th Century, first because of superstitions surrounding the composer’s surname and the tragic nature of most of his symphonies: Mahler’s spelling resembles the French word mahleur, which means sorrow and misfortune (not uncommon feelings in Mahler’s music) This superstition was fostered enormously by Stravinsky, who was incidentally, a Francophile artist and one of the staunchest detractors of Mahler. Second, the musical expansiveness and gigantism of Mahler’s symphonic work does not commune with French musical and artistic philosophy, which as it has been said, it is focused on simplicity and refinement. Finally, the growing taste in French art for exoticism all along the 20^th Century did nothing to foster interest on Mahler’s music (and also on Tournemire’s own). It was not until relatively recently that Mahler’s music finally conquered the heart and soul of French audiences, and much of it is owed to the efforts of renowned composer/conductor Pierre Boulez; whose interest in Mahler’s musical innovations has finally proven to French audiences this music has always been both subtle and exotic in ways they would have never imagined. As Tournemire’s music is all but Mahlerian, his revival has had to wait for decades, Messiaen and Paul Beusen being two of his most important resurrectors, as well as Antonio de Almeida.

The core of Tournemire’s symphonic-mystic approach lies in his sixth and seventh symphonies, which are large in scope and projection. Symphony No. 6 in E minor was composed between 1917 and 1918 and it is sort of Tournemire’s War Requiem. While his Symphony No. 7 “The dances of life” is longer and more extensive in language, it is less monumental than its predecessor. No. 6 requires a very large orchestra with quintuple woodwind, eight horns, seven trumpets, four trombones, two tubas, two timpani players, three percussionists, bells, glockenspiel, celesta, organ, mixed choir (SSATTB), tenor solo, four harps and a large body of strings. It uses progressive tonality and despite all Mahlerian appearances, its language is economic and well balanced, leaving most fortissimos and tutti when reaching musical climaxes at the end of the symphony’s two parts. As mentioned before, it is a war symphony and its nature is desolate and languished: Tournemire wrote the text himself based loosely on biblical passages coming from the Psalms, the books of prophets Jeremiah, Isaiah, Oseah from the Old Testament and from the New Testament, the Gospel according to Saint John. The violins open the piece with a plaintive, monophonic melody, at the same time far and closely evoking Gregorian Chant, since its nature is chromatic, but at the same time free in structure. Eventually, woodwind and the rest of strings play the melody as well, each time faster, superposing each against the other. A descending chromatic figure of consecutive semitones appears in horns and strings, evoking the growing war stress, just to become into calmness once more. The absence of heavy brass during this introduction is remarkable to keep the atmosphere calm, still nuanced by chromatic figures and chords to signal tension. The descending motive comes once more into action, which is followed by more activity on strings and woodwind that suddenly evaporates. Finally, heavy brass enters along with the bass drum and timpani and the choir enters as well: “We suffer inside our hearts” “We cannot keep silent/for we hear the sound of the trumpet/The cry of war”, it sings anguished as the seven trumpets and the rest of heavy brass play dissonant and warlike melodies. The sadness and anguish are emphasized when the choir sings “The whole country lies in waste!” on the melody of the descending motive of the start, this time more densely orchestrated. The orchestral storm subsides at given time and gives pace to a more silent section, yet one that describes the terrible state of the nation during war: “The sky, its light/ has disappeared”, while the flutes and piccolos play descending chromatic scales. The instrumental moods are quite remarkable here in this section, since tones are somber and chromatic, without being terribly dissonant. Suddenly, the choir cries for the world that has been lost thanks to the war “The noisy festivities have come to an end” /”All joy has vanished” and the people is suffering “We utter out cries”, all this in a section whose brassy instrumentation foretells the so-called apocalyptic sounds of Glagolitic Mass of Leos Janacek, more particularly with the urgent “Amen” cries. A strong willed motive in B minor ascends deep from woodwind and strings as the choir evokes the words of Psalm 130 “Out of the Abyss”. A grandiose fanfare in E minor along with an ascending motive sounds when the choirs sing “We hope in Thee” just to disappear into another calm section, before the final appearance of the B minor motive returns with the insistent cries “Lord listen!/Lord, forgive!”. The people recognize then, in the end, they have sinned with violence and brutality and wait for atonement. The second movement begins with a calm invocation in A-flat major “Oh God, we have invoked Thy Name” by choir and orchestra which seems to move forward in movement and by the increasing number of instruments joining in while the voices sing the prayer, now praising God “To Eternity/Thou art God” in counterpoint, growing each time in power and heaviness as brass join in a more chromatic section which seems to evolve progressively into E-minor/major “Thy light shall shine upon us”. This leads to a second, more lively section (the symphony’s scherzo), announced by trumpets and a chromatic semitone figure on brass and later on strings, which is reaffirmed by a fanfare like figure in horns. The dance like patterns in the strings and woodwind are distinctively chromatic, especially as the very light-paced trio makes its way on music. The initial scherzo fanfare returns, now on violins and woodwind, and a paired section more like in procession appears in E major and reintroduces the choir singing again “Thy light shall shine upon us/Thou shall be for us/an eternal light”, quoting this over a three semitone ascending figure over and over again, hearing in between heralding trumpets playing the scherzo fanfare and exultant cries of “Amen, amen”: The time is coming, the people is praying, hope in a divine apparition is growing, more than before as the ascending figure returns one last time, this time more densely orchestrated, even bells are tolling. And finally, the organ enters in a fortissimo B major chord, followed by the establishment of an E major tonality: Christ has returned to deliver us. After a short introduction the tenor soloist, as the Voice of Christ, starts reciting his words of atonement, all from St. Johns Gospel “I gave come into the world/I who am the light/So anyone who believes in me/Should not remain in darkness”. Mankind has been forgiven for its sins and will receive eternal light and peace “I give you peace/I give you my peace”, a peace dreamt for so long. The tenor and the organ quietly disappear, while a pedal continues playing along which introduces in horns, strings the final musical subject. The world, after such a devastating conflict may be born again: the choir enters singing a wordless song, since joy and union have finally surpassed all human and worldly barriers. The scherzo fanfare is played once more, in more exuberant colors and along with the choirs. Notable is the leading role of the women’s voices in the choir all along this final section, which is marked by both calm and joyous periods in major tonalities. Finally in the coda, the trumpets announce once more the triumphant final motive in E major, along with a regressive version of the fanfare. All instrumental families and the organ join into the celebration, which is gigantic and celebratory, bells toll and even some instruments, like trombones, timpani and celesta, join in their voice. Life and peace have triumphed once more over war and devastation, or so Tournemire had thought. One even more devastating conflict was to torn Europe apart, and would lead the whole world into an even more apocalyptic state. For good or for bad, the composer would not live enough to really watch it, as he died on November 1939.

Creyentes en tiempo de paganos (Especial de la 1GM): La Resurrección según Charles Tournemire

 “Un día se hará justicia por Tournemire”, dijo alguna vez el renombrado compositor francés Olivier Messiaen al respecto de su connacional y colega compositor Charles Tournemire; quien nunca gozó tanta fama como él. El contexto histórico y las circunstancias siempre son de gran importancia para averiguar el porqué de un olvido tan injustificado. Charles Tournemire nació en Bordeaux en 1870 y empezó a aprender música siendo un organista en su ciudad natal. Su primer maestro fue el franco-belga César Franck y quien estaba en contra de los principales compositores franceses de aquel tiempo como Camille Saint-Saëns y Gabriel Fauré, quienes también poseían un enorme peso en el Conservatorio de Paris. Franck y sus estudiantes seguidores querían germanizar la música francesa siguiendo de cerca los modelos dejados por Liszt y Wagner en opuesto a la elegancia y el refinamiento omnipresentes en el arte francés. Como consecuencia, muchos de los alumnos de Franck estaban molestos con la rigidez artística que se vivía en el Conservatorio y cuatro años después de la muerte de Franck, es decir en 1894, fundaron la Schola Cantorum de París. Ya que Tournemire fue uno de los últimos estudiantes de Franck, decidió concluir sus estudios en aquella novedosa institución bajo la tutela de Vincent D’Indy, el alumno predilecto de César. Aunque se volviera compositor, Tournemire siguió siendo un destacado organista, realizando muchos tours alrededor de Europa durante toda su vida.

Habiendo nacido en una familia católica muy devota, Tournemire siempre se mantuvo firme en la fe durante toda su vida, inclusive después de la muerte de su primera esposa en 1919, su fe en Dios no desapareció, ya que está presente en toda su obra. Sobre todo en L’Orgue Mystique, una serie de más de 250 obras para órgano que juntas durarían de 12 a 15 horas. Sin embargo, su intención es más mística e inspirada en Dios que otra abiertamente virtuósica y por lo mismo su magnum opus para órgano ha atraído la atención de varios solistas de aquel instrumento. Pero L’Orgue Mystique no es la única obra en la que Tournemire expresa sus creencias religiosas: cuatro de sus sinfonías son de inspiración religiosa, al igual que sus oratorios sacros El Apocalipsis según San Juan y La Pasión de Cristo. Él compuso en total ocho sinfonías, las cuales son completamente sui generis en todo el repertorio francés, ya que fueron influenciadas por Mahler. La música de Gustav Mahler no tuvo gran impacto en Francia hasta fines del siglo 20. En primer lugar, debido a las supersticiones que rodeaban su música al igual que su nombre: La escritura del apellido Mahler se parece a la palabra francesa malheur, que es sinónimo de tristeza e infortunio, sentimientos muy presentes en su obra. Dicha superstición fue muy promovida por Stravinsky, artista francófilo de corazón y uno de los detractores más férreos de la música de Mahler. En segundo lugar, la expanisvidad y el gigantismo propios al sinfonismo mahleriano no comulga con la filosofía artística francesa, que exige simpleza y matices en lugar de excesos. Finalmente, la creciente sed francesa por el exotismo durante el siglo 20 no ayudó en nada para fomentar la curiosidad en la música de Mahler y por ende, en aquella de Tournemire. No fue hasta tiempos recientes que Mahler finalmente fue apreciado como se debe en Francia. Mucho esto se debe al gran trabajo del reconocido compositor y director contemporáneo Pierre Boulez, cuyo interés en las innovaciones musicales del Titán bohemio probó al difícil público francés que su música siempre fue sutil y exótica a la vez. Ya que la música de Tournemire es mahleriana hasta el hueso, tuvieron que pasar igualmente décadas para ser redescubierta, en gran parte por Messiaen y Paul Beusen, sus resurrectores más grandes, al igual que Antonio de Almeida.

El centro neurálgico de la obra sinfónico-mística de Tournemire se halla en su sexta y séptima sinfonías, las cuales son enormes en proyección y proporción. La Sinfonía No.6 en Mi menor fue compuesta entre 1917 y 1918 y podría considerarse el réquiem de guerra del compositor. Mientras que su séptima sinfonía “las Danzas de la Vida” es más larga y extendida, es menos monumental que su predecesora. La sexta requiere de una enorme orquesta con alientos quíntuples, ocho cornos, siete trompetas, cuatro trombones, dos tubas, dos timbaleros, tres percusionistas, campanas, glockenspiel, celesta, coro mixto (SSATTB), tenor solista, cuatro arpas y un gran conjunto de cuerdas. La obra insiste en la tonalidad progresiva, común al principio del siglo 20 y a pesar de su apariencia mahleriana, el lenguaje instrumental es económico y bastante equilibrado, dejando la mayoría de los fortíssimos y tutti en los clímax al final de las dos partes de la obra. Como ya ha sido mencionado antes, la obra es un réquiem de guerra y su naturaleza musical es desoladora y avasallante: El texto para el coro y el solista fue escrito por Tournemire basándose libremente en pasajes bíblicos extraídos de los Salmos, los profetas Jeremías, Isaías y Oseas del Antiguo Testamento y del Evangelio según San Juan del Nuevo Testamento. Los violines abren la pieza con una melodía plañidera y monofónica, que al mismo tiempo y no evoca al canto Gregoriano; ya que es libre en estructura rítmica, pero cromática en lenguaje. Los alientos y el resto de las cuerdas se unen y tocan la melodía en contrapunto y cada vez con más velocidad. Una figura cromática de semitonos descendientes aparece en los cornos y en las cuerdas, evocando las tensiones crecientes previas al conflicto, solo para calmarse una vez más. La ausencia de los metales pesados durante la introducción es de uso notable, ya que mantiene una atmósfera calmada, a pesar de la tensión creada por los acordes cromáticos. El motivo descendiente regresa una vez más, seguido por intensa actividad en cuerdas y metales, que se disipa rápidamente… Finalmente, los metales pesados y las percusiones se unen, al igual que el coro “Sufrimos desde el fondo de nuestro corazón” “No podemos callar/ya que oímos la trompeta resonar/ése grito de guerra”, canta el coro angustiado mientras las siete trompetas de la orquesta y el resto de los metales entonan melodías disonantes y bélicas. La tristeza y la angustia del pueblo se enfatizan con las líneas “El país entero yace en ruinas” al momento que entra de nuevo el motivo descendiente, esta vez con una orquestación más densa. La tormenta orquestal se disipa y da pie a una sección más silenciosa que sin embargo, no deja de ser sombría, ya que describe la devastación provocada por la guerra “El cielo, su luz/han desaparecido”, mientras las flautas y flautines tocan escalas cromáticas descendientes. De repente, el coro grita, esta vez llorando la destrucción de una época “Las bulliciosas festividades han llegado a su fin/La alegría se ha agotado” y el sufrimiento del pueblo se asoma “Gritamos sin cesar”, todo esto en una sección cuya orquestación metálica es premonición de los sonidos apocalípticos de la Misa Glagolítica de Leos Janacek, al igual que los gritos urgentes de “Amén”. Un voluntarioso motivo en Si menor asciende desde las profundidades en las cuerdas y alientos mientras el coro evoca las palabras del Salmo 130 “Desde el fondo del abismo”. Una grandiosa fanfarria junto con un motivo ascendente en Mi mayor suena con las palabras “En ti esperamos”, solo para esfumarse, antes de que reaparezca la melodía en Si menor con los clamores insistentes en el coro. El segundo movimiento comienza con una calmada invocación en La bemol mayor “Oh Señor, hemos invocado tu nombre” por el coro y la orquesta que se mueve hacia adelante durante todo el movimiento y cuya instrumentación se amplía con el pasar del tiempo. Las voces continúan con su intensa plegaria, esta vez alabando a dios “Por siempre/Tú eres Dios”, en contrapunto majestuoso, creciendo cada vez más en densidad y sonido, lo cual evoluciona gradualmente a una sección cromática que termina en Mi menor/mayor “Tu luz brillará sobre nosotros”. Esto lleva a una segunda sección más viva (el scherzo de la sinfonía), anunciado por las trompetas y una figura cromática de semitonos en los metales y luego en las cuerdas, que es reafirmada por una fanfarria de cornos. Los patrones dancísticos en las cuerdas y alientos son distintivamente cromáticos, en especial durante el ligerísimo trio. La fanfarria del scherzo regresa, esta vez en violines y cuerdas, y una sección en par, similar a una procesión en Mi mayor, aparece mientras el coro reaparece entonando una vez más “Tu luz brillará sobre nosotros/Tu luz será para nosotros/resplandor eterno”, sobre una figura de tres semitonos ascendentes una y otra vez, que se intercala entre trompetas anunciadoras y la fanfarria del scherzo, al igual que entre gritos exultantes de “Amén, amén”: El momento se acerca, el pueblo ora y goza de alegría. Espera por una aparición divina, cada vez más y más cuando la figura ascendente de tres semitonos reaparece, esta vez más densamente orquestada, incluso suenan las campanas. Finalmente, el órgano entra con un acorde en fortíssimo en Si mayor, seguida por el establecimiento de la tonalidad en Mi mayor: Cristo ha vuelto para salvarnos. Despues de una corta introducción, el tenor solista asume la voz de Cristo, que recita las palabras expiativas, todas del Evangelio según San Juan “He venido al mundo/yo, que soy la luz/para que aquél que crea en mi/no permanezca en las tinieblas”. La humanidad ha sido perdonada por sus pecados y recibirá la luz y la paz eternas “Mi paz os dejo/Mi paz les doy”, una paz largamente añorada. El tenor y el órgano desaparecen poco a poco, mientras un pedal en Mi da paso al tema final, un motivo ascendiente en los cornos y las cuerdas, el mismo que aparece en el primer movimiento. Después de un conflicto tan devastador, el mundo puede renacer una vez más: el coro entra entonando un canto sin palabras, ya que la alegría y la renacida unión entre los hombres han trascendido toda barrera mundana. La fanfarria del scherzo reaparece, en colores e instrumentación mucho más exuberante y junto con el coro, cuyas voces femeninas tienen un gran rol en esta sección final, marcada por episodios calmos y de regocijo, todos en tonalidades mayores. Finalmente en la coda, las trompetas anuncian triunfalmente el motivo final en Mi mayor, junto con la fanfarria en una versión regresiva. Todas las familias instrumentales, junto con el órgano, se unen a la celebración, gloriosa y gigantesca: las campanas suenan e incluso los instrumentos como los trombones, los timbales y la celesta, se unen a su canto. La vida y la paz triunfan una vez más sobre la devastación de la guerra, o al menos eso creyó Tournemire. Un conflicto aún más devastador destruiría a Europa y llevaría al mundo a un estado aún más apocalíptico. Para bien o para mal, Tournemire no viviría para ver las últimas consecuencias de la Segunda Guerra, ya que murió en Noviembre de 1939.